National Gallery

Histoire

En 1823, un collectionneur du nom de Sir George Beaumont a proposé de donner sa célèbre collection de peintures au gouvernement britannique pour créer une galerie d'art publique. En 1824, une autre célèbre collection de peintures est mise en vente. Le propriétaire, John Julius Angerstein, était décédé. Il semblait que ses peintures seraient vendues en dehors de l'Angleterre. Puis, un troisième collectionneur, le révérend Holwell Carr, a fait une autre offre de tableaux. Le Parlement a dû prendre une décision rapide.

Le Parlement a voté qu'une collection nationale devrait être lancée et qu'une galerie devrait être construite. Ils ont donné 60 000 livres sterling pour acheter les tableaux d'Angerstein. Ils ont reçu 38 tableaux et ont pu les exposer publiquement dans la maison d'Angerstein.

La collection s'agrandit rapidement avec l'achat ou la donation des tableaux de Beaumont et de Holwell Carr, entre autres. Une nouvelle galerie était nécessaire. En 1831, les plans de l'architecte William Wilkins sont acceptés. Le site qui donne sur Trafalgar Square est choisi, les vieux bâtiments sont démolis et la magnifique nouvelle galerie est ouverte le 9 avril 1838.

Lors de l'ouverture de la National Gallery, l'opinion était que les peintures de la Haute Renaissance de la fin des années 1400 jusqu'aux peintures baroques des années 1600 étaient le meilleur type d'art. Le mot primitif a été utilisé pour décrire les peintures italiennes des années 1300 et du début des années 1400. Heureusement, le directeur de la galerie, Sir Charles Eastlake, a pensé qu'il était important de rassembler certaines de ces peintures primitives, ainsi que les peintures plus populaires de la Haute Renaissance. C'est ainsi que la National Gallery en est venue à posséder tant d'œuvres très rares de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance.

Dans les années 1870, la galerie a eu la chance d'obtenir deux collections de peintures d'artistes néerlandais célèbres. Le bâtiment a dû être agrandi pour les abriter. La galerie a également reçu des tableaux d'artistes britanniques célèbres ; ils ont rapidement été si nombreux que la plupart d'entre eux ont été transférés dans une nouvelle galerie appelée la Tate.

Au XXe siècle, il est devenu plus difficile d'acheter des tableaux très importants ; il y avait d'autres galeries aux États-Unis et en Allemagne qui essayaient d'acheter les mêmes tableaux. La National Gallery a donc commencé à acheter des œuvres de peintres plus modernes et a rapidement constitué une collection de peintures du XIXe et du début du XXe siècle. Ce n'est pas une grande partie de la collection de la National Gallery, mais elle présente de petites œuvres de nombreux artistes très importants, notamment les impressionnistes.

La Madone aux roses de Raphaël, peinte vers 1506, est l'un des derniers tableaux importants achetés par la National Gallery.

Tableaux importants

Italien ancien

• Duccio, Vierge et enfant, vers 1300, Sienne
• Masaccio, Vierge et enfant, vers 1426, Florence
• Fra Angelico, le Christ en gloire, vers 1435, Florence

• Uccello, Saint Georges et le dragon, vers 1450, Florence

L'histoire de ce tableau est une légende chrétienne sur un dragon qui a volé une princesse. La princesse a charmé le dragon et l'a attaché avec sa ceinture, mais elle n'a pas pu s'échapper. Le noble George est venu à son secours et a tué le dragon. Il y a de nombreuses peintures de Saint Georges à la National Gallery car il est le saint patron de l'Angleterre. Uccello a essayé de montrer la perspective du paysage en arrangeant les zones claires et sombres sur le sol. Les lignes diagonales sont importantes dans ce tableau. La ligne formée par l'aile et la patte du dragon va dans la même direction que la lance de Georges, tandis que le corps et la queue vont dans la direction opposée.

• Piero della Francesca, Le Baptême du Christ, vers 1450, Ombrie
• Mantegna, L'agonie dans le jardin, 1460, Mantoue
• Pollaiuolo, Le martyre de Saint-Sébastien, 1475, Florence

• Sandro Botticelli, Mars et Vénus, années 1480, Florence

L'histoire de ce tableau provient de la mythologie romaine. Mars, le dieu de la guerre, a fait l'amour avec Vénus, la déesse de l'amour. Il est si fatigué qu'il ne sait pas que des petits faunes jouent avec ses armes. Mais l'un d'eux est sur le point de lui souffler un gros obus dans l'oreille. Le message de ce tableau est que l'Amour peut vaincre la Guerre. Le dessin est basé sur un grand W. qui rend le tableau symétrique. Botticelli a fait cela pour la chambre de Giuliano de'Medici, un riche noble de Florence. Il a peint Mars pour ressembler à Giuliano et Vénus pour ressembler à sa petite amie, mais Giuliano n'a pas eu beaucoup de temps pour apprécier ses peintures car il a été assassiné peu de temps après.

• Pérugin, Vierge et enfant avec les anges Michel et Raphaël, 1496, Pérouse
• Giovanni Bellini, Portrait de Leonardo Loredano, Doge de Venise, 1501, Venise

La peinture des débuts de l'Europe du Nord

• Peintre inconnu, The Wilton Diptych, c.1395, Angleterre ou France

Le Diptyque de Wilton est l'un des tableaux les plus précieux de la National Gallery, car la plupart des petites œuvres d'art du Moyen Âge en Angleterre ont été détruites. Ce tableau montre le roi Richard II d'Angleterre en train d'être présenté à la Vierge Marie par ses trois saints patrons. Il est peint à la détrempe ; les couleurs sont mélangées à l'œuf. Le mot "diptyque" signifie qu'il est en deux parties et peut être fermé comme un livre. Le fond est recouvert de feuilles d'or finement battues. Le bleu est fait de pierre semi-précieuse broyée, le lapis-lazuli. Il a peut-être été peint comme cadeau de mariage pour le roi lorsqu'il était en France.

• Jan van Eyck, Le mariage Arnolfini, 1434, Belgique
• Hans Memling, Vierge à l'enfant avec des saints et des donateurs, 1477, Bruges
• Rogier van der Weyden, Pieta, c.1460, Bruxelles
• Jérôme Bosch, La moquerie du Christ, vers 1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Durer, Le père du peintre, 1497, Nuremberg

• Gérard David, Vierge à l'enfant avec des saints et un donateur, 1505, Bruges.

Ce tableau est un retable pour une église. Il montre la Vierge Marie assise comme une reine sur un trône avec l'Enfant Jésus. Il est vénéré par trois saintes femmes et par l'homme qui a payé l'artiste pour faire le tableau pour l'église. Il est appelé le "donateur". Tout dans le tableau a été peint avec beaucoup de détails, les vêtements, les carreaux, les bijoux, les bâtiments et les fleurs. Beaucoup de choses dans le tableau sont des symboles. Le petit chien est le symbole de la fidélité. Les lys sont le symbole de la pureté de la Vierge Marie. Le tableau ne montre pas une partie d'une histoire ou un moment dans le temps. Le tableau a été peint pour aider le spectateur à calmer son esprit pour la prière.

• Lucas Cranach, Cupidon, piqué par une abeille, 1522, Weimer
• Hans Holbein, Les Ambassadeurs, 1533, né à Augsbourg, mort à Londres. Voir ci-dessous.
• Pieter Breughel l'Ancien, L'Adoration des Rois, 1564, Bruxelles

L'Italie au XVIe siècle

• Léonard de Vinci, La Vierge des rochers, vers 1506, Milan. Voir ci-dessous.
• Michel-Ange, La mise au tombeau du Christ, vers 1506, Rome. Voir ci-dessous.
• Raphaël, la Madone Ansidei, vers 1505,
• Giorgione, Adoration des rois, 1507, Venise

• Titien, Bacchus et Ariane, 1523, Venise

Cette image provient de la mythologie grecque. Le Princess Ariadne a fait naufrage à Naxos, l'île de Bacchus. Bacchus voit Ariane et tombe amoureux au premier regard. Le Titien le montre sautant de son char qui est tiré par des guépards, tandis qu'Ariane se retourne pour s'enfuir. Mais Ariane a regardé dans les yeux de Bacchus, et elle est tombée amoureuse elle aussi. Dans le ciel se trouve la couronne d'étoiles que Bacchus lui a offerte à leur mariage. Le Titien a peint un mouvement en spirale dans de nombreuses figures. On peut le voir dans le foulard rouge d'Ariane. Bien que cette peinture concerne la mythologie, les figures sont très réalistes.

• Parmigiano, Vierge et enfant avec saint Jean, 1527, Parme

• Lorenzo Lotto, Dame en Lucrèce, 1530, Venise

Ce portrait montre une femme dans une robe de velours richement colorée, tenant un dessin de Lucrèce, une femme noble de la Rome antique qui s'est suicidée en se poignardant après avoir été violée. Le tableau a peut-être été réalisé pour une famille qui voulait que sa fille se marie bien. Le symbolisme du tableau montre d'une part que la jeune femme est riche et d'autre part, qu'elle est sexuellement pure. Ces deux choses étaient importantes pour faire un bon mariage. Le loto a utilisé le contraste de couleurs de la robe orange et verte pour créer un effet de richesse. Il a également fait un usage inhabituel du contraste des tons. Des zones très claires comme son visage, sa poitrine et sa main contrôlent le centre du tableau. Trois autres zones très claires sont placées sur le côté droit, le dessin, la main et la note. Cette disposition est asymétrique

• Bronzino, Allégorie, vers 1550, Florence. Voir ci-dessous.
• Tintoret, Saint Georges et le dragon, années 1560, Venise

L'Italie, la France et l'Espagne dans les années 1600

• Caravage, Le souper à Emmaüs, vers 1600, Rome

Ce tableau est basé sur une histoire de la Bible. Deux des disciples de Jésus marchaient sur la route d'Emmaüs, parlant tristement de la mort de Jésus. Un homme est venu et a marché avec eux, mais au début ils ne le connaissaient pas. Cette nuit-là, alors qu'ils dînaient dans une auberge, ils ont soudain su que c'était Jésus qui était ressuscité des morts et qui était maintenant vivant. Le Caravage a montré ce moment dans le temps comme s'il s'agissait d'une photographie. Ce qui rend cette image si réelle, c'est la lumière, le mouvement et les détails. Le Caravage a peint la lumière venant d'un côté comme s'il y avait une grande lampe. La tête de l'aubergiste fait une ombre derrière Jésus qui est comme un halo. L'image a pris une seule seconde quand Jésus a levé la main, un homme commence à se lever et l'autre jette ses bras. Seul l'aubergiste est immobile. La vue de la main de Jésus, des bras de l'homme et du coude de l'autre homme est raccourcie. Les détails montrent des gens ordinaires avec des vêtements vieux et déchirés. Il y a aussi une nature morte du panier au bord de la table. L'éclairage et le réalisme du Caravage ont été copiés par de nombreux autres peintres, dont Rembrandt et Velazquez.

• El Greco, le Christ chassant les marchands du temple, vers 1600, Tolède
• Annibale Carracci, Quo vadis ? 1602, Rome

• Claude Le Lorrain, Départ de la reine de Saba, 1648, France et Rome

Ce paysage imaginaire est basé sur une histoire de la Bible. Dans cette scène, la reine de Saba part d'Afrique pour se rendre en Palestine afin de rencontrer le roi Salomon. Mais ce que l'artiste voulait vraiment montrer, c'était la lumière matinale brumeuse du lever du soleil sur la mer. Il a également peint trois types de bâtiments différents. À gauche, une ruine antique comme celles que l'artiste a vues à Rome. En arrière-plan, un château et une tour du Moyen Âge. À gauche, la reine sort d'un grand palais dans le nouveau style de la Renaissance. Rien dans cette peinture n'a de rapport avec l'Afrique ou la Palestine. Il s'agit de Rome. En montrant la Reine de Saba, Poussin dit que la ville de Rome, avec toute son histoire depuis 2000 ans, est comme la Reine la plus belle et la plus intelligente qui ait jamais vécu. Ce genre de peinture s'appelle une "allégorie".

• Nicholas Poussin, Bacchanale, 1603, France et Rome

Ce tableau est une scène de la mythologie romaine. Les femmes sont des nymphes, les esprits de la forêt. Certains hommes sont des satyres et possèdent des cornes et des sabots de chèvre. Ils vivent à Naxos, l'île de Bacchus, et passent beaucoup de temps à s'enivrer, à danser et à faire l'amour. Dans cette fête sauvage, même les bébés boivent du vin. Une nymphe est sur le point de fracasser un pichet de vin sur la tête d'un satyre, qui essaie d'embrasser son ami. Poussin a utilisé de grandes surfaces de couleur vive. Au début, le tableau ressemble à un enchevêtrement de corps, mais tout est très soigneusement arrangé pour donner un effet de danse à l'ensemble. Une grande forme triangulaire contient toutes les figures. À l'extérieur du triangle de droite se trouve une statue de Pan. Sur le côté gauche se trouve un beau paysage.

• Diego Velazquez, La Vénus de Rokeby, 1649, Madrid.

Cette image est tirée de la mythologie romaine. Elle montre Vénus, déesse de l'amour et de la beauté, se regardant dans un miroir tenu par son fils Cupidon. Vélasquez a passé la plupart de son temps à peindre des portraits pour la famille royale d'Espagne et ses proches. Il est l'un des portraitistes les plus célèbres de tous les temps. Mais cette peinture a probablement été faite pour lui-même, et lorsqu'il l'a fait, il s'est mis en danger de graves punitions. En Espagne, bien que le roi ait régné, l'Église était aux commandes. Elle surveillait tout ce que tout le monde faisait, et faisait exécuter un très grand nombre de personnes. En Espagne, il était interdit de peindre des tableaux de nus comme celui-ci. Velazquez a fait très attention à ne montrer que son dos. L'image du visage n'est pas très claire. Les anciens miroirs n'étaient pas aussi clairs que les modernes. Peut-être Velazquez voulait-il déguiser le visage de la femme pour la protéger. La disposition et les couleurs de ce tableau sont très simples. Les lignes gracieuses du corps sont répétées dans les couvertures de lit grises et blanches. Le rideau rouge est au même angle que sa tête, et est d'une couleur chaude, comme sa chair rose.

• Murillo, Les deux trinités, 1681, Séville

La Hollande et la Flandre dans les années 1600

• Gerrit von Honthorst, le Christ devant le Grand Prêtre, 1617, Utrecht

• Rembrandt, Fête de Belshazzar, années 1630, Leyde

Rembrandt est surtout connu comme peintre de portraits, en particulier pour les nombreux autoportraits qui retracent sa vie depuis son adolescence jusqu'à sa vieillesse. Il a également peint de nombreuses scènes de la Bible comme celle-ci. Le père du prince Belshazzar avait emmené le peuple juif à Babylone en tant qu'esclaves. Belshazzar donnait une fête et il a envoyé des serviteurs pour apporter les coupes en or qui avaient été volées au Temple de Jérusalem. Soudain, une main étrange apparut et écrivit un message sur le mur. Personne ne savait ce que cela signifiait, alors Balshazzar demanda à Daniel, qui était un prophète juif. Daniel a répondu : "Tu as été pesé et mesuré par Dieu. Vous ne respectez pas les règles de Dieu. Tes jours sont comptés !" Ce tableau montre à quel point les peintres néerlandais ont appris du Caravage. Ce tableau peut être comparé à la Cène d'Emmaüs. C'est une autre scène pleine de drame. Rembrandt a placé deux des personnages à des angles inhabituels. Le corps de Belshazzar est tourné vers le spectateur, mais sa tête est vissée pour voir ce qui se passe derrière lui. En se levant de sa chaise, il frappe la coupe en or tenue par l'une de ses femmes. Elle est également à un angle bizarre car le spectateur regarde sa tête et ses épaules. Rembrandt a fait un contraste entre la riche texture de ses robes et son visage flasque et son ventre gras.

• Anthony van Dyck, Charles Ier d'Angleterre à cheval, 1631, Londres. Voir ci-dessous.

• Peter Paul Rubens, Le Jugement de Paris, 1632, Anvers

Rubens était un peintre si populaire qu'il est devenu riche et célèbre. Il a peint des portraits et de nombreuses scènes de la Bible et de la mythologie. L'histoire de cette peinture est tirée de la mythologie grecque et romaine. Paris était un prince qui avait été élevé par un berger. On lui a donné une pomme d'or et on lui a demandé de juger un concours de beauté entre trois déesses : Junon, la Déesse de la Famille ; Minerve, la Déesse de la Guerre et Vénus, la Déesse de l'Amour. Chacune offrait une récompense : la richesse, le succès au combat et la plus belle femme du monde comme épouse. Paris a choisi la dernière et a donné la pomme à Vénus. Cela a mis en colère deux personnes très puissantes. Et, ce qu'il ne réalisait pas, c'est que la plus belle femme du monde, Hélène de Troie, était déjà mariée. Rubens a peint un tableau pour décorer le mur de la maison d'un riche mécène. Le tableau comporte de nombreux détails qui aident à raconter l'histoire. Il s'agit notamment du petit Cupidon, d'un chien de berger, du paon de Junon, du bouclier effrayant de Minerve et des moutons qui paissent dans le beau paysage. Mais le plus important dans le tableau, ce sont les trois beaux nus. C'est ce qui a rendu les tableaux de Ruben si populaires.

• Franz Hals, groupe familial, années 1640, Anvers
• Pieter der Hoogh, Cour de Delft, 1658, Delft. Voir ci-dessous.
• Johannes Vermeer, jeune femme aux Virginals, vers 1670, Delft. Voir ci-dessous.

• Meyndert Hobbema, L'Avenue, 1689, Middelharnis

La peinture de paysage est devenue très populaire en Hollande dans les années 1600. Dans ce tableau, la perspective est très importante. Dans un pays très plat, il peut être difficile de juger à quel point les choses sont lointaines. Hobbema a utilisé cette route droite avec deux rangées de grands arbres pour donner une idée de la distance qui sépare la ville. À première vue, ce tableau semble assez symétrique. Mais Hobbema a ajouté de nombreuses différences pour rendre le tableau plus intéressant, en équilibrant une ferme d'un côté et une église de l'autre et en rendant les deux rangées d'arbres très différentes.

Les années 1700

• Watteau, Les Amoureux, vers 1720, France
• Giambattista Pittoni ,Le Sacrifice de Polyxène, 1740, Venise
• Canaletto, Le bassin de Saint-Marc le jour de l'Ascension, vers 1740, Venise
• Chardin, Le petit maître, vers 1740, Paris. Voir ci-dessous.
• William Hogarth, Mariage à la mode (une histoire en six images), 1743, Londres

• George Stubbs, Une famille dans son phaéton, vers 1750, Angleterre

Dans les années 1700, les peintures de paysage étaient populaires en Angleterre, mais elles étaient plus que de simples images de la belle campagne peintes comme décoration d'une pièce. La plupart des peintures de paysage étaient également des documents sur une famille et sur les terres qu'elle possédait. Elles étaient un signe de la richesse et du statut de la famille. Dans ce tableau, les propriétaires fonciers montrent leur parc privé avec sa variété d'arbres. Ils montrent également leur splendide paire de chevaux et leur élégante voiture appelée "phaéton". Ensemble, ce carrosse et ces chevaux sont l'équivalent au XVIIIe siècle d'une voiture très chère. Stubbs était surtout connu pour ses peintures de chevaux. Il était passé maître dans l'art de composer de beaux tableaux. Ici, il a créé un équilibre entre le grand chapeau à la mode de la dame posé sur l'arbre sombre et les chevaux noirs sur le ciel pâle.

• Tiepolo, allégorie de l'amour et du temps, 1754, Italie
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londres
• Thomas Gainsborough, La promenade du matin, 1786, Londres
• Goya, Duc de Wellington, 1812, Espagne et France

à partir de 1800

• Turner, Le Téméraire, 1838, Londres

C'est une peinture triste. Son nom complet est Le combattant téméraire tiré jusqu'à sa dernière couchette pour être mis à la ferraille. C'est le dernier voyage d'un des grands navires de guerre qui a combattu pour l'Angleterre contre la flotte française à la bataille de Trafalgar. Sa grande forme élégante contraste avec le remorqueur noir sale avec entonnoir fumant qui le remorque. Turner, qui était expert dans la peinture de la mer, du ciel et du temps, a placé la lune dans le ciel près du voilier. La lune est dans sa dernière phase. De l'autre côté du tableau, le soleil se lève avec une lueur rouge comme un feu sur l'eau. La lune décroissante est le symbole du passage de l'âge des grands voiliers. Le soleil flamboyant sur l'eau est le symbole de la nouvelle ère de la machine à vapeur.

• Agent de police, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
• Courbet, Femmes sur le bord de la Seine, 1857, France

• Henri Fantin-Latour, Pommes sur un plat, 1861, France

Cette image est une nature morte. À la Renaissance, les sculptures de natures mortes faisaient souvent partie de la décoration en bois à l'intérieur des pièces importantes d'un palais. Dans les années 1600 et 1700, les peintures de natures mortes sont également devenues courantes et se trouvaient le plus souvent dans la salle à manger, où les fruits, les fleurs et les animaux tués pour leur viande constituaient une décoration à la mode. Dans les années 1800, de nombreux artistes comme Fantin-Latour ont peint de petites natures mortes comme celle-ci afin de mettre en pratique leurs compétences dans l'agencement d'un tableau, l'étude de la lumière et l'étude de la texture. De nombreux artistes peignaient également des natures mortes parce qu'ils étaient trop pauvres pour payer un modèle d'artiste ou parce que le temps était trop mauvais pour peindre des paysages. Fantin-Latour a réalisé un grand nombre de petits tableaux de ce type. Il a disposé quatre pommes de couleurs et de formes différentes et a fait une étude de l'aspect de la lumière sur leurs surfaces courbes.

• Manet, la serveuse, 1879, Paris
• Claude Monet, The Houses of Parliament, Londres, peintre français. Voir ci-dessous.
• Renoir, Les Parapluies, vers 1880, France

• Seurat, Les Baigneurs d'Asnières, 1884, France

Seurat était un ami des peintres impressionnistes français. Il avait une théorie selon laquelle toute couleur était composée de beaucoup de couleurs qui étaient triées lorsque la lumière passait dans l'œil. Il expérimentait la couleur en peignant en petits points. Son style de peinture s'appelle le pointillisme. Ce grand tableau a pris beaucoup de temps à réaliser. Même s'il s'agit d'une scène de plein air avec beaucoup de personnages, elle est très calme, comme si le temps s'était arrêté. En regardant le tableau de près, on peut voir que même les parties qui semblent blanches ou noires sont constituées de centaines de petits points de couleur.

• Edgar Degas, peignant les cheveux, vers 1885, Paris
• Cézanne, Montagnes de Provence, 1890, Provence

• Vincent van Gogh, Paysage avec des pins du Cyprès, vers 1890, France

Vincent van Gogh a eu une vie difficile et troublée. Il est né en Hollande mais est allé peindre en France. Il avait très peu d'amis et avait des difficultés à vendre ses peintures. Heureusement, il avait le soutien de son frère Théo et d'un médecin pour qui il peignait des tableaux. Ce paysage est un bon exemple de son style. Dans la peinture, chaque chose semble avoir une vie qui lui est propre. Les nuages sont comme de grandes bêtes qui roulent dans le ciel, les grains ondulants se tendent comme des mains, les montagnes grondent et le pin des cyprès semble assez dangereux. Vincent a utilisé chaque coup de pinceau pour aider à créer ce mouvement de flamme. Une autre chose importante dans cette peinture est le contraste. Les couleurs passent du rouge-orange chaud au bleu glacé. Le grand arbre sombre à droite contraste avec les nuages blancs. La direction verticale de l'arbre est en contraste avec la direction horizontale du paysage. En 1890, Vincent s'est suicidé après avoir peint des centaines de tableaux en cinq ans seulement.

• Henri Toulouse-Lautrec, Femme au jardin, 1891, France
• Douanier Rousseau, Tigre effrayé par une tempête, 1891, Paris
• Gustav Klimt, Portrait d'Hermine Gallia, 1904, Vienne

Uccello


Botticelli


Le diptyque Wilton


Gérard David


Titien


Lorenzo Lotto


Caravaggio


Lorrain


Poussin


Velázquez


Rembrandt


Rubens


Hobbema


Stubbs


Turner


Fantin-Latour


Seurat


van Gogh

Galerie

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