Art hellénistique

Architecture

L'une des choses qui a rendu l'époque hellénistique différente des autres temps a été la division du pays d'Alexandre le Grand en plusieurs parties. Dans chaque partie, il y avait une famille de dirigeants. Les Ptolémées avaient l'Égypte, les Séleucides avaient la Mésopotamie, les Attalides avaient Pergame, et d'autres chefs avaient d'autres parties. Chaque famille de dirigeants donnait de l'argent pour l'art d'une manière différente de celle des villes-États. Ils ont construit de grandes villes et des groupes complexes de bâtiments d'une manière que la plupart des villes-états avaient déjà cessé de faire en 500 avant J.-C. Cette façon de construire était nouvelle pour la Grèce. Il ne s'agissait pas d'essayer de changer ou de fixer un lieu naturel, mais de faire en sorte que les bâtiments s'adaptent à ce lieu naturel. Il y avait beaucoup d'endroits pour le plaisir, par exemple beaucoup de théâtres et de lieux de promenade. Les pays hellénistiques ont eu la chance de disposer de beaucoup d'espaces vides où ils pouvaient créer de nouvelles grandes villes. Certaines de ces nouvelles villes étaient Antioche, Pergame et Séleucie sur le Tigre.

Pergame est un très bon exemple d'architecture hellénistique. Tout a commencé avec une simple forteresse sur l'Acropole (un très gros rocher). Différents rois attalides y ont ajouté un énorme groupe de bâtiments. Les bâtiments s'étendent depuis l'Acropole dans de nombreuses directions, en utilisant la voie naturelle de cette partie de la terre. L'agora, au sud, au niveau le plus bas, a des galeries le long de ses côtés, avec des stoai (de belles hautes pierres pour soutenir le toit.) L'agora est le début d'une rue qui traverse toute l'Acropole. À l'est et au sommet du rocher se trouvent les bâtiments des organisateurs, des dirigeants et des soldats. Sur le côté ouest, à un niveau moyen, se trouvent les bâtiments religieux. L'un des plus grands est celui de l'autel de Pergame, appelé "des dieux et des géants", qui est l'une des plus belles pièces de la sculpture grecque. Un très grand théâtre avec des bancs étendus sur les flancs de la colline, sur lesquels les gens peuvent s'asseoir, peut accueillir près de 10 000 personnes.

À l'époque, ils aimaient faire de très grandes choses. Le deuxième temple d'Apollon à Didyma était comme ça. Il se trouvait à vingt kilomètres de Miletus en Ionie. Daphnis de Miletus en a fait le projet à la fin du quatrième siècle avant J.-C. (environ 300 avant J.-C.) mais il n'a jamais été terminé. Ils ont continué à le construire jusqu'au IIe siècle après J.-C. (après 100 après J.-C.). Le sanctuaire (partie spéciale du temple) est l'un des plus grands jamais réalisés près de la Méditerranée. A l'intérieur d'une très grande salle, la cella est entourée de deux rangées de colonnes (de hautes choses rondes). Les colonnes sont de type ionique, hautes de près de 20 mètres, avec un art rupestre très complexe sur les bases et les sommets.

Autel de Pergame, Musée de Pergame, Berlin

Sculpture

La sculpture hellénistique comprend des portraits qui montrent des choses telles que la souffrance, le sommeil ou la vieillesse.

Attale Ier (269-197 av. J.-C.), pour commémorer sa victoire à Caicus contre les Gaulois - appelés Galates par les Grecs - fit sculpter deux séries de groupes votifs : le premier, consacré sur l'Acropole de Pergame, comprend le célèbre Gaulois se suicidant avec sa femme, dont l'original est perdu (la meilleure copie se trouve au musée Massimo alle Terme de Rome, voir illustration) ; le second groupe, offert à Athènes, est composé de petits bronzes de Grecs, d'Amazones, de dieux et de géants, de Perses et de Gaulois. Artemis Rospigliosi du Louvre est probablement une copie de l'un d'entre eux ; quant aux copies de la Gaule mourante, elles étaient très nombreuses à l'époque romaine. L'expression des sentiments, la force des détails - ici des cheveux touffus et des moustaches - et la violence des mouvements sont caractéristiques du style pergaménien.

Ces caractéristiques sont poussées à leur paroxysme dans les frises du Grand Autel de Pergame, décoré sous l'ordre d'Eumenes II (197-159 av. J.-C.) d'une gigantomachie s'étendant sur 110 mètres de long, illustrant dans la pierre un poème composé spécialement pour la cour. Les Olympiens y triomphent, chacun de son côté, sur des géants dont la plupart sont transformés en bêtes sauvages : serpents, rapaces, lions ou taureaux. Leur mère Gaia, venue à leur secours, ne peut rien faire et doit les regarder se tordre de douleur sous les coups des dieux.

Un autre phénomène apparaît dans la sculpture hellénistique : la privatisation, qui implique la récupération des anciens motifs publics dans la sculpture décorative. Ce type de style rétrospectif existe également dans la céramique. Quant aux portraits, ils sont teintés de naturalisme, sous l'influence de l'art romain.

Faune Barberini, copie en marbre d'un original en bronze, vers 200 avant J.-C., La Glyptothèque, Munich

Peintures et mosaïques

Peu de peintures murales grecques ont survécu aux siècles. Cependant, on peut étudier les influences hellénistiques dans les fresques romaines, par exemple celles de Pompéi ou d'Herculanum. Certaines mosaïques donnent une assez bonne idée de la "grande peinture" de l'époque : ce sont des copies de fresques. Un exemple est la mosaïque d'Alexandre, qui montre l'affrontement du jeune conquérant et du grand roi Darius III à la bataille d'Issus, une mosaïque qui orne les murs de la Maison du Faune à Pompéi. On pense qu'il s'agit d'une copie d'une œuvre décrite par Pline l'Ancien (XXXV, 110) qui avait été peinte par Philoxène d'Eretrie pour le roi Cassandre de Macédoine à la fin du IVe siècle avant JC. La mosaïque nous permet d'admirer le choix des couleurs, la composition de l'ensemble avec le mouvement tournant et l'expressivité du visage.

Des découvertes archéologiques au cimetière de Pagasae (près de l'actuelle Volos), au bord du golfe Pagasétique, ou encore à Vergina (1987), dans l'ancien royaume de Macédoine, ont mis au jour des œuvres originales. Par exemple, le tombeau dit de Philippe II a donné lieu à une grande frise représentant une chasse au lion royale, remarquable par sa composition, la disposition des personnages dans l'espace et sa représentation réaliste de la nature.

La période hellénistique est également le temps du développement de la mosaïque, notamment avec les œuvres de Sosos de Pergame, actif au IIe siècle avant J.-C. et seul mosaïste cité par Pline (XXXVI, 184). Son goût pour le trompe-l'œil (illusion d'optique) et les effets du médium se retrouvent dans plusieurs œuvres qui lui sont attribuées comme le "Sol non balayé" du musée du Vatican, représentant les restes d'un repas (arêtes de poisson, os, coquilles vides, etc.) et le "Bassin des colombes" du musée du Capitole, connu grâce à une reproduction découverte dans la Villa d'Hadrien. On y voit quatre colombes perchées sur le bord d'un bassin rempli d'eau. L'une d'entre elles s'arrose tandis que les autres semblent se reposer, ce qui crée des effets de reflets et d'ombres parfaitement étudiés par l'artiste.

La mosaïque Alexandre, de la Maison du Faune, Pompéi, aujourd'hui au Musée archéologique national, Naples

Céramique

La période hellénistique est celle du déclin de la peinture sur vase. Les vases les plus courants sont noirs et uniformes, avec un aspect brillant proche de celui du vernis, décorés de simples motifs de fleurs ou de festons. C'est aussi la période où apparaissent les vases en relief, sans doute à l'imitation des vases en métaux précieux : des couronnes en relief sont appliquées sur le corps du vase, ou encore celui qui est montré ici reçoit des veines ou des godrons. On trouve aussi des reliefs plus complexes, basés sur des animaux ou des créatures légendaires. Les formes des vases s'inspirent également de la tradition du métal : ainsi du lagynos (ici en photo), une jarre à vin typique de l'époque.

Parallèlement, il subsiste une tradition de peinture figurative polychrome : les artistes recherchent une plus grande variété de teintes que par le passé. Cependant, ces nouvelles couleurs sont plus délicates et ne supportent pas la chaleur. La peinture se fait donc après la cuisson, contrairement à la pratique traditionnelle. La fragilité des pigments empêchant un usage fréquent de ces vases, ceux-ci étaient réservés à l'usage des funérailles. Les exemplaires les plus représentatifs de ce style proviennent de Centuripe en Sicile, où un atelier a été actif jusqu'au IIIe siècle avant J.-C. Ces vases sont caractérisés par un fond peint en rose. Les figures, souvent féminines, sont représentées dans des vêtements de couleur : chiton bleu-violet, himation jaune, voile blanc. Le style rappelle celui de Pompéi et se situe beaucoup plus du côté des grandes peintures contemporaines que de l'héritage de la poterie à figures rouges.

Lagynos décoré d'instruments de musique, 150100‑ avant J.-C., le Louvre

Arts mineurs

Art métallique

Les progrès de la fonte du bronze ont permis aux Grecs de créer de grandes œuvres, comme le Colosse de Rhodes, d'une hauteur de 32 mètres. De nombreuses grandes statues en bronze ont été perdues - la plupart ayant été fondues pour récupérer le matériau. De ce fait, seuls les petits objets existent encore. Heureusement, pendant la Grèce hellénistique, les matières premières étaient abondantes suite aux conquêtes orientales.

Le travail sur les vases en métal prend une nouvelle ampleur : les artistes rivalisent entre eux avec une grande virtuosité. À Panagyurishte (aujourd'hui en Bulgarie), des vases en or habilement sculptés ont été découverts : sur une amphore, deux centaures d'élevage forment les anses. À Derveni, non loin de Salonique, une tombe a fourni un grand cratère avec des volutes de bronze datant d'environ 320 avant J.-C. et pesant 40 kilogrammes (cratère de Derveni). Il est décoré d'une frise de figures en relief de 32 centimètres de haut représentant Dionysos entouré d'Ariane et de son cortège de satyres et de ménades. Le col est orné de motifs décoratifs tandis que quatre satyres en haut-relief sont assis de manière désinvolte sur les épaules du vase. L'évolution est similaire pour l'art de la joaillerie. Les joailliers de l'époque excellaient dans le traitement des détails et des filigranes : ainsi, les couronnes funéraires présentent des feuilles d'arbres ou des tiges de blé très réalistes. À cette époque, l'incrustation de pierres précieuses est très répandue.

Les figurines étaient également à la mode. Elles représentaient des divinités ainsi que des sujets de la vie contemporaine. Ainsi émergea le thème du "nègre", notamment dans l'Égypte ptolémaïque : ces statuettes d'adolescents noirs connurent le succès jusqu'à la période romaine. Parfois, elles étaient réduites à faire écho à une forme des grandes sculptures : ainsi on trouve de nombreuses copies en miniature du Tyche (bonne chance) d'Antioche, dont l'original date du début du IIIe siècle avant J.-C.

Figurines en terre cuite

Auparavant réservée à un usage religieux, la figurine grecque en terre cuite était plus fréquemment utilisée dans la Grèce hellénistique à des fins funéraires, voire décoratives. Le raffinement des techniques de moulage a permis de créer de véritables statues miniatures, avec un niveau de détail élevé.

A Tanagra, en Béotie, les figurines, pleines de couleurs vives, représentent le plus souvent des femmes élégantes dans des scènes pleines de charme. À Smyrne, en Asie mineure, deux grands styles se côtoient : tout d'abord, les copies de chefs-d'œuvre de la grande sculpture, comme Hercule de Farnèse en terre cuite dorée. Dans un tout autre genre, on trouve les "grotesques", qui contrastent violemment avec les canons de la "beauté grecque" : le koroplathos (fabricant de figurines) façonne des corps déformés dans des poses tortueuses - bossues, épileptiques, hydrocéphales, femmes obèses, etc. On peut donc se demander s'il s'agit de modèles médicaux, la ville de Smyrne étant réputée pour son école de médecine. On peut donc se demander s'il s'agit de modèles médicaux, la ville de Smyrne étant réputée pour son école de médecine. Les "grotesques" sont tout aussi fréquents à Tarse qu'à Alexandrie.

L'art du verre et de la glyptique

C'est à l'époque hellénistique que les Grecs, qui ne connaissaient jusqu'alors que le verre moulé, ont découvert la technique du soufflage du verre, permettant ainsi de nouvelles formes. L'art du verre s'est surtout développé en Italie. Le verre moulé a continué, notamment dans la création de bijoux en taille-douce.

L'art de la gravure sur gemmes n'a guère progressé, se limitant à des pièces produites en série qui manquaient d'originalité. En compensation, le camée fait son apparition. Il s'agit de découper en relief sur une pierre composée de plusieurs couches colorées, permettant de présenter l'objet en relief par les effets de la couleur. Il est ensuite monté sur un pendentif ou en bague. La période hellénistique a produit quelques chefs-d'œuvre comme le camée Gonzaga, aujourd'hui conservé au musée de l'Ermitage.

Éléments d'une couronne funéraire, 3e siècle de notre ère, Louvre


Femme obèse tenant une jarre de vin, Kertch, seconde moitié du IVe siècle avant J.-C., Louvre

Pages connexes

• Victoire ailée de Samothrace